Desarrollo histórico del Art Nouveau

A continuación, se hace una retrospectiva del desarrollo histórico del Art Nouveau. Es una visión global que también aporta detalles de las corrientes no exclusivamente francófonas, ya que, a pesar de los matices entre regiones, es demasiado difícil desvincular algunos hechos. 

Libro Wren's City Churches
de Mackmurdo 

El primer diseño identificado inequívocamente con el nuevo estilo es la cubierta de un libro de 1883 dedicado a las iglesias de Christopher Wren, del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo[1]. A pesar de esto, la corriente se considera consolidad a partir de los primeros años de la década de 1890, cuando Victor Horta construyó la Casa Tassel y Alfons Mucha publicó el cartel de la Gismonda. 

Habitación del Castillo de Roquetaillade

Antes de todo eso, existieron ciertos indicios que apuntaban al nacimiento de una nueva corriente artística. Se ha calificado como pre-modernista la decoración mural del castillo francés de Roquetaillade, restaurado por Eugène Viollet-leDuc en la década de 1850. Aunque su propósito era producir una recreación neogótica, lo que se obtuvo fueron unos frescos con un estilo germinal modernista de movimientos orgánicos, colores y formas de una gracia innovadora. 

"Perséfone" por  Rossetti, del 

movimiento prerrafaelista, 

donde se observan algunas 

características que más tarde 

adoptará el Art Nouveau 

(mujer, asimetría, naturaleza)

Esta tendencia de inspiración en lo natural se fue intensificando en la segunda mitad del sXIX, como por ejemplo pasó en el movimiento británicol de los Arts & Crafts (Artes y oficios) de William Morris o la Hermandad Prerrafaelita. Los patrones del diseño de la arquitectura victoriana derivaron hacia formas flotantes libres. El hierro forjado, uno de los materiales clave de la época, se deja a la vista y se aprovecha con funciones decorativas, más allá de la propiamente arquitectónica. También en los cristales tintados o los tejidos empiezan a aparecer este tipo de motivos característicos. De todas formas, los productos tradicionales creados por William Morris y del Arts & Crafts eran costosos y sólo podían comprarlos los adinerados. 

Detalle de un dibujo de Morris
 and Dearle en una alfombra,
motivos florales que
inspirarán el Art Nouveau

Aunque Arts & Crafts fue de influencia para el estilo, cabe puntualizar que los defensores del Art Nouveau veían en sus obras una función embellecedora de lo utilitario, por lo que se quería conseguir hacer llegar arte económico, accesible para las masas y ropiendo con la falta de personalidad del estilo industrial imperante. En Weimar o Darmstadt, los pioneros del Art Nouveau, como Henry Van de Velde o Josef-Maria Olbrich fueron empleados para revitalizar las industrias locales y aumentar la prosperidad de los estados que los empleados. En Viena, los Talleres de Viena se comprometieron incondicionalmente a la producción artesanal costosa en la creencia de que era el momento de la burguesía a desempeñar su papel en el mecenazgo artístico. 

Poster del Art Nouveau de inspiración
oriental. Autor desconocido.

La naturaleza fue una de las fuentes fundamentales del Art Nouveau (o "nuevo estilo"): teóricos como Eugène Grasset en su obra "La plante et ses applications ornementales" mostraron cómo los motivos tomados de la naturaleza podrían ser utilizados de una manera lógica. El redescubrimiento del arte japonés en el siglo XIX llevó a una nueva perspectiva que se preguntaba por la belleza de una ola, de un estampado de kimono o la curva del cuello de una cortesana. La fluidez de las líneas, las composiciones asimétricas, sin la perspectiva geométrica y delicados tonos de color creado un nuevo vocabulario ornamental, liberándose del historicismo, de la gran "carnaval de estilos" que prevaleció durante gran parte del siglo XIX. 

Otro de los casos clave en la historia del Art Nouveau fue en 1888, cuando Charles R. Ashbee fundó la Guild and School of Handicraft de Whitechapel en Toynbee Hall (Londres). Estaba dedicada a la decoración de interiores, especialmente con materiales como la forja, la joyería, el esmalte y el mobiliario (materiales clave del estilo) dedicada a la decoración integral de interiores (forja, joyería, esmalte y mobiliario). Ashbee aprovechó el cierre de una imprenta para contratar a algunos de sus trabajadores para ampliar su actividad al sector de la imprenta (Essex House Press). 

Cartel de la Secesión de Berlín

La libertad reivindicada en la década de 1890 por los grupos de artistas denominados de la "secesión" aparecidos sucesivamente en varias ciudades europeas (París, Munich, Viena, Berlín…) dio sustento al nuevo corriente naciente, donde tenían una voluntad rupturista con las sociedades de artistas más relevantes de dichas ciudades, creando nuevos modelos y formas de impulsar el arte. 

Es también en esta época (1892 y 1893) cuando Victor Horta construye la Casa Tassel, se consolida el estilo y su taller de Bruselas se convierte en un centro disfusor de l’Art Nouveau, especialmente en cuanto a arquitectura. Victor Horta introdujo el hierro y la fundición en las casas de la burguesía en Bruselas[2]. Estos materiales industriales le permitieron respirar en el espacio interior de la vivienda, permitiendo que el aire y la luz pudieran circular. Al elegir decorar con curvas abstractas, fue capaz de expresar la naturaleza maleable de metal. Se crea así un universo rebosante donde las líneas expresan la vitalidad, el poder de crecimiento de las plantas. 

No todo el mérito es del arquitecto. El 1 de enero de 1895 un cartel publicitario difundido por las calles de París para anunciar la obra de teatro de La Gismonda representó el empujón final para lanzar el Art Nouveau como referente en las artes gráficas. Su autor fue uno de los más reconocidos en el movimiento, Alfons Mucha. 

Modernisme: "Ramon Casas i Pere Romeu
en un tàndem" de Ramon Casas

Más allá de los límites francófonos, la corriente empezaba a llegar. El Art Nouveau se extendió rápidamente por Europa, gracias a revistas de arte foto-ilustradas, así como exposiciones internacionales. El nombre terminó siendo diferente según el país, que se llamaba "Modernisme" en Cataluña, "Jugendstil" en Alemania, "Liberty" en Italia o "Secession" en Viena o Praga. El movimiento del Art Nouveau se desarrolló más rápidamente en los países o regiones que se cobró una mayor autonomía cultural (como Cataluña, Checoslovaquia y Finlandia) o aquellos que experimentaban prosperidad económica y que querían alejarse de los gustos dictados por las capitales (Glasgow o Nancy). El conjunto de Europa adoptó el Art Nouveau a una mayor o menor medida porque el estilo fue capaz de convivir con formas heredadas del pasado. Fue más a menudo dominante en las zonas de nueva construcción para hacer frente a la creciente urbanización a finales del siglo XIX (Riga o Barcelona), demasiado industrializada y pensado solo de forma barata y masiva. 

Portada de "Jugend" la revista de Múnich

Concretamente, en 1896 comenzó a publicarse en Múnich la revista Jugend ("juventud"), que dio nombre al estilo en Alemania (Jugendstil) y que servía de inspiración y también de difusión de las obras de este estilo. Un año después, nació lo que se conocerá posteriormente como la Escuela de Glasgow: Charles R. Mackintosh, seguido por un grupo de artistas de la ciudad e identificados con el movimiento modernista, fundaron la Glasgow School of Art. 

Fue en estos tiempos cuando en Barcelona empezaba el Modernisme a despuntar. En el local Els Quatre Gats, mundialmente conocido, fue el punto de encuentro del modernismo catalán y sus representantes de la zona. También Gaudí empezaba a desmarcarse con sus construcciones. 

La Exposición Universal de París (1900) significó un hito destacado. Fueron especialmente impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color) de obras de arte junto a muebles y tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de l'Art Nouveau ("Casa del Arte Nuevo"). Al igual que ésta, otras casas comerciales, como la londinense Liberty & Co.10 (Arthur Lasenby Liberty) y la neoyorquina Tiffany’s (Louis Comfort Tiffany), se identificaron tan estrechamente con la nueva estética que sus nombres se utilizaron también como denominaciones de la misma. 

Escaleras en rotonda estilo Art Déco
del Burkbank City  Hall

En cualquier caso, el Modernismo en general, alcanzó su momento álgido la Prima Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna de 1902 en Turín, donde expusieron diseñadores de todos los países europeos. 

Hacia la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista ya había comenzado a ser abandonada en favor de trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la estética plana y el menor coste de los diseños industriales. Hacia los años veinte esa tendencia se concretaría en una nueva etiqueta denominativa: el Art Decó. 

FUENTES

• [1]Pevsner, Nikolaus (1975). Pioneers of Modern Design. Harmondsworth: Penguin Books. p. 90. 
• [2] Art Nouveau Network. Art Nouveau Network [online]
• Charles Harrison, ¿Qué es el modernismo?, en Modernismo, Encuentro, 2000
• "El Modernisme". Enciclopedia Catalana [online] 
• Duncan, Alastair. Art Nouveau. World of Art. New York: Thames and Hudson, 1994. 

CARACTERÍSTICAS PROPIAS DEL ART NOUVEAU

Para analizar las características del Art Nouveau tenemos que empezar desde la base. El termino Art Nouveau ya indica de por sí un espíritu de reforma, rebelión y libertad.  El origen de un cambio de movimiento artístico va en muchas ocasiones ligado con movimientos políticos destinados a acabar con el orden establecido, normalmente represivo como es el caso que se dio en Praga a finales del siglo XIX.  Así mismo el Art Nouveau como cualquier nuevo movimiento centra sus bases en una fuerte reacción contra los estilos predominantes en el arte convencional, especialmente cuando este es el único que se enseña y divulga en las escuelas y el que inunda las calles.

El primer principio importante del movimiento Art Nouveau el de tratar de  deshacerse de las distinciones entre las artes mayores y menores y el arte bajo y alto.   Para muchos artistas lo esencial era que el arte afecta y unificar la vida de la gente, no sólo en las pinturas de aceite caro en las paredes de los ricos o en los salones institucionales, sino en los objetos esenciales de su vida diaria, sus casas, muebles y vasos, los anuncios, cortinas e incluso rejillas de alcantarillado.   Incluso puramente objetos funcionales ahora en gran parte hechos a máquina y producidos en masa debe ser determinada por los poderes de arte decorativo.

Estos objetos son un punto importante de la corriente, ya que esta hace un fuerte énfasis en la unión entre belleza y la utilidad. Este es uno de los mensajes sociales que caracterizan al movimiento, algo que le ha valido el nombre de   Arte Social   en algunos sectores.   Se inspira, en parte, por una fuerte reacción contra la fealdad de la mayor parte del material fabricado, como mencionamos anteriormente, que fue dominando cada vez más vidas de las personas durante el transcurso del siglo XIX. El componente Social como característica del movimiento se aprecia con mucha fuerza en el proyecto de la “Exposición Internacional de Arte e Higiene popular” que unía el arte y las instalaciones públicas.

No es sorprendente que en algunos lugares, el nuevo movimiento fue rápidamente adoptado por los socialistas y los librepensadores como una manera de producir un estilo verdaderamente internacional para todas las personas, mientras que se opone ferozmente por la Iglesia Católica y los movimientos para conservar la moral tradicional.

Otra característica importante del Art Nouveau es la fuerte inspiración formal en la idea de la naturaleza como una fuente inagotable de ideas de diseño, especialmente  flora y fauna y, sobre todo la sinuosidad, la asimetría, líneas fluidas que los intentos de superar las estructuras rectilíneas estática de los años anteriores. Esta estrecha relación con la naturaleza  generó como arquetipos del movimiento elementos como: cortinas   sobrecargadas  con adornos, tapicería pesada y jardines interiores llenos de plantas verdes, finalmente dio paso a la necesidad de observar el mundo exterior. Toda la decoración se inspira a partir de las formas de las ramas, flores y hojas. La línea recta desaparecido para dar paso a los enredos de la enredadera y sólo se tolera una superficie plana si puede ser decorada con  marquetería, que represente un paisaje de flores. 

La ornamentación es otro punto clave en cuanto a las características estéticas del movimiento. La ornamentación está siempre viva, inquieta, y equilibra. Además a  diferencia de la ornamentación estática de casi todos los otros períodos estilísticos, de estilo art nouveau es siempre uno y el mismo tiempo en movimiento y en un estado de equilibrio.   En el fondo hay un esfuerzo para dominar el movimiento por medio de la armonía y equilibrio. 

Este énfasis en la ornamentación y el patrón lineal no es meramente decorativa.   Para los artistas del Art Nouveau la esencia del estilo era el contenido simbólico en el patrón ornamental. Los patrones ornamentales reflejan el optimismo y la fatiga que son simbolizados por dos movimientos, uno ascendente y otro descendente, que se presentan juntas en los sinusoides serpentina entre dos polos que atraen alternativamente.   “Este énfasis en el patrón energético y dinámico de las líneas se vio impulsado también por el resurgimiento del interés en el arte celta y la pasión en toda Europa y América por el arte japonés, especialmente en sus elementos decorativos, su exotismo y su concepción del espacio” (Madsen), Esto ofrecía inspiración artística para aquellos que desean alejarse de los convencionalismos del arte del siglo y encontrar formas de llevar la belleza visual fresco y con un propósito moral en una época cada vez más dominado por la ciudad industrial y la máquina.

Otra de las características estéticas más importantes es la aparición de la figura femenina. Las mujeres y los retratos de las mujeres son sorprendentemente frecuentes en esta corriente. La imagen más frecuente de la mujer en el Art Nouveau es una mujer sola como foco de atención, de modo que la figura o el rostro es una parte integral de la trama y de ella se deriva el resto de la trama, lo que genera piezas con mucha  fuerza e intensidad. Dentro de la característica de la aparición de la figura femenina podemos destacar una subcategoría que vendría ha hablar del poderoso sentido de la sexualidad presente en muchas obras especialmente en las de autores como Mucha, Beardsley o Klimt.

Es destacable la inmediatez de la mirada y la confianza en la postura de la mujeres de estas obras, que a pesar de su potencial sexual, no parecen objetos sino que respiran rectitud victoriana.  Su posición en las piezas como centro de atención y su relación con lo ornamental y la naturaleza crean una sensación de poder e independencia.

Para acabar con las características de este movimiento vamos a centrarnos en las variantes que se presentan en la arquitectura, ámbito que tiene un fuerte impacto a cause de que ha perdurado de una forma muy directa en el tiempo.

En este ámbito destaca el uso del hierro para desarrollar elementos estructurales y ornamentales, que son los símbolos arquitectónicos del movimiento. Cuando hablamos de arquitectura en Art Nouveau, se ha de pensar en un cuerpos de edificio muy dinámico con formas sinuosas y rítmicas, a menudo con esquinas redondeadas. Un claro ejemplo de esto es la arquitectura de Gaudí.

La arquitectura Art Nouveau expresa rechazo de los modelos convencionales de la historia    y un  retorno a la naturaleza. Otras características clásicas son, según Madsen: énfasis en la asimetría, los arcos aplanados y una tendencia a fusionar diferentes habitaciones, con el fin de crear un sentido orgánico de la división del espacio. La fachada es un factor importante es una superficie decorativa y suele presentar ornamentación floral en la base representando que el edificio nace de la tierra, reflejo de una de las caractersíticas básicas comentadas en esta entrada.

PIEZA PUBLICITARIA: cartel Chocolate-Amatller, por Alfons Mucha

EJEMPLO DE PIEZA PUBLICITARIA: CARTEL CHOCOLATE-AMATLLER

Cartel “Centenario de la casa Chocolate-Amatller” (1900) Litografía a color y escala real (44x31 cm)

FICHA TÉCNICA 

• Pieza: Chocolate-Amatller 
• Nombre: centenario de la casa Chocolate-Amatller 
• Autor: Alfons Mucha 
• Fecha de creación: año 1900 
• Materiales/técnica de fabricación: litografía a color tamaño (44x31) 
• Función: Cartel conmemorativo y publicitario del centenario de casa de Chocolate Amatller de Barcelona.

FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN

La marca Amatller es probablemente la marca más antigua de España en activo desde que la familia Amatller inició la fabricación de chocolate en 1797 en el barrio de Santa María del Mar de Barcelona. En 1872 Antoni Amatller, nieto del fundador toma la empresa a su cargo. Antoni Amatller pertenecía a la burguesía barcelonesa y aprovechó su empuje económico para convertirse en mecenas de arte y cultura. Fue su pasión por el arte lo llevó a promocionar Chocolates-Amatller a través de carteles publicitarios realizados por los más destacados artistas de la época. De este modo para una ocasión tan importante como el centenario de la casa Amatller, Antoni no dudo en acudir a Alfons Mucha máximo exponente del movimiento de la época para la elaboración del cartel conmemorativo. 

CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU

Para aquel entonces, recién llegado el siglo XX el movimiento que se venía dando desde finales del XIX ya se había afianzado. La obra de Mucha disponía de un amplio reconocimiento hasta el punto que ese mismo año (1900) fue nombrado caballero de la orden del emperador Francisco José. 

REFLEXIÓN SOBRE LA PIEZA 

Este cartel, elaborado para la casa de chocolates Amatller, es un ejemplo perfecto, tanto del Art Nouveau como de la obra de A. Mucha. En él podemos observar la figura central, una mujer joven y bella, como es típico en la obra de Mucha. Se puede observar que esta figura central tiene un halo a su espalda, otro aspecto típic del autor, que da un toque místico. No debemos olvidar que el autor da mucha importancia a lo espiritual. Podemos observar también como tanto el halo como el cabello de la joven está decorado con flores; esto es el reflejo de la inspiración en la naturaleza típica del movimiento. Para finalizar podemos observar en las esquinas decorados ornamentales; la ornamentación es una característica típica tanto del movimiento como del autor. La parte ornamental de esta pieza está formada por lineas aymmetrially (un tipo de trazado) y onduladas que terminan en forma de látigo, cargando de energía el movimiento. 

FUENTES

• http://www.chocolates-amatller.com/2marca.swf
• http://www.oldmaingallery.com/art-gallery/CHOCOLATE-AMATLLER-1900.html
• http://records.viu.ca/~Johnstoi/praguepage/muchalecture.htm
• http://www.muchafoundation.org/MBiography.aspx

Alfons Mucha, impulsor del Art Nouveau

Alfons Mucha (1860-1939) 

Ente post va dedicado a uno de los máximos exponentes del Art Nouveau, el artista checo Alfons (Alphonse) Mucha.

Fue uno de los artistas más conocidos de su tiempo, pionero en la aplicación del arte a la publicidad y uno de los padres del diseño gráfico moderno. Sus carteles y pinturas causaron admiración primero en París y pronto en todo el mundo. El arte de Mucha aspira a la belleza. Sus elaboradas composiciones ponen en juego elementos teatrales como alegóricos. 

Mucha produjo a lo largo de su vida una cantidad de obras bastante asombrosa. Tocó entre otros ámbitos, la pintura, decorados teatrales, la ilustración, especialmente en carteles y posters; El art Nouveau contemplaba el deseo de universalizar el arte y no limitarse a cuadros en las mansiones de los ricos sino la aparición del arte en objetos cotidianos de cualquier casa y Mucha participó de esté interés, extendió su arte también a papeles de pared, paneles en litografía, diseño de joyas, interiorismo, obras públicas, etc. 

El énfasis de la belleza es una de las características del movimiento y fue siempre visible en las obras del autor, las mujeres jóvenes y hermosas, la ropa neoclásica, los halos, las flores y las formas ornamentales y lo espiritual, así como la naturaleza, como fuente de inspiración, son los elementos más característicos de la obra de este autor. 

Cartel "Gismonda"

Mucha nació en 1860 en Moravia, desde joven tuvo pequeños trabajos sobretodo como decorador de teatro o pintando retratos, pero uno de los acontecimientos más relevantes en su vida fue la decoración del castillo Emmahof, perteneciente a los hermanos Count Khuen los cuales ven el potencial del artista, apadrinándolo y ayudándolo a ingresas en la academia de bellas artes de Munich. En 1887 se traslada a Paris comenzará una de las etapas más importantes de su vida. Tras finalizar sus estudios empieza a trabajar como ilustrador en una revista de teatro. Su gran éxito llega en 1894 con el diseño del cartel de Sarah Bernhardt (clic para ver artículo) para la obra de teatro Gismonda. El Cartel aparece por todo Paris y Mucha consigue un contrato de 5 años con Sarah Bernhardt así empiezan a publicitarse los carteles de A. Mucha a partir de ahí su fama se extendió más allá del viejo continente. 

Cigarros Job

Como ya nombramos anteriormente Mucha fue uno de los pioneros de el arte en publicidad. Sus carteles publicitarios eran aclamados no solo por su belleza si no por su aurea ecléctica y misteriosa. Otras de las claves de sus carteles publicitarios era la contraposición de aspectos y las metáforas escondidas en formas fuertes pero femeninas, elementos místicos y espirituales son el concepto que hacían funcionar la publicidad de Alfons Mucha. A lo largo de su vida Mucha realizó muchos carteles y poster publicitarios entre otros destacan obras de teatro como: Hamlet, La dama de las Camelias, Médee o La samaritana… Trabajó también para las grandes marcas comerciales del momento, como por ejemplo los papeles de liar cigarros Job o el chocolate Ideal. Realizó pinturas, pósteres, ilustraciones, diseños para papeles pintados, etc. 

Joyas varias diseñadas porel autor

Una vez acabado su contrato Mucha siguió trabajando en muchos y diferentes ámbitos, Prosiguió haciendo publicidad en parís, también se dedico al diseño de joyas, expuso sus obras en la exposición internacional de Paris, también realizó exitosas exposiciones en Praga, Munich, y Philadelphia entre otros y tras su viaje a América 1904 comenzó una serie de cuatros que retrataban la sociedad. 

A su vuelta trabajó en Hungría y otros países del báltico donde siguió expandiendo su ábilidad a otros ámbitos trabajo para los gobiernos de diferentes países diseñando, monedas para el estado, billetes de lotería, sellos, postales así como la construcción de edificios y piezas públicas, un ejemplo es el pabellón que construyó en Bosnia-Herzegovina o la decoración de interior del museo de bellas artes en Hungría. 

En sus últimos años Mucha de obcecó mucho en un proyecto, el que consideraría una de sus obras más importantes, La Épica Eslava. Realizó varios viajes, entre ellos a Polonia para la realización de esta serie de cuadros de gran tamaño. Las pinturas ilustraban la historia de los pueblos Eslavos y fue donada a Praga en el año 1928. 

El 14 de Julio de 1939, muere en Praga a causa de su delicado estado de salud.

¿Modernismo, Arte moderno o Art Nouveau?

Aunque el término Art Nouveau es uno de los más extendidos cuando se generaliza sobre las corrientes modernistas (especialmente en Paises de no habla hispana), cabe puntualizar y recordar que es la corriente propiamente nacida en Francia y Bélgica, porque dependiendo de la zona donde se desarrolló este "modernismo" tubo unas características propias. Por ejemplo, el "Estilo Mucha" fue considerado, durante un tiempo, una escuela en sí misma (antes de llamarse "Arte Nuevo" en general para designar a todos los artistas del movimiento) pero también el máximo representante del Modernisme (la subcorriente catalana), Antoni Gaudí, fue considerado otro estilo en sí mismo no comparable a ningún otro durante mucho tiempo. De todas formas... es imposible decir que Mucha y Gaudí no tenían nada en común; a pesar de sus diferencias de estilo, ambos se inspiraban en lo mismo: las formas orgánicas de la naturaleza. 

¿ESTILO PROPIO O MOVIMIENTO ARTÍSTICO?

Entonces... ¿por qué si, en un principio, estas corrientes se pudieron considerar ajenas y las diferencias son remarcables, han terminado siendo consideradas dentro de un mismo movimiento artístico llamado "modernismo"? Está claro que estilos artísticos hay tantos como autores en la faz de la tierra, pero eso no significa que automáticamente sean designados como corrientes o movimientos, ya que esto implica dinamismo, fluctuación, y para que eso ocurra es necesario más de una persona que se implique en ello y lo active. Si buscamos "movimiento" en la RAE, vemos que su séptima acepción es la siguiente:

"7. m. Conjunto de alteraciones o novedades ocurridas, durante un período de tiempo, en algunos campos de la actividad humana"

Habla de conjuntos y de actividad humana, ambos términos referidos a la idea de grupo, de colectivo. Está claro, pues, que para que nazca un movimiento artístico se necesita de un grupo de personas que aporten novedades o alteraciones a lo preconcebido, a lo que se ha establecido por un largo período de tiempo como "normal". Significa romper las reglas de juego, que no saltarse la ley, sino traspasar aquello que la sociedad ha adoptado como usual para aportar nuevas riquezas y matices a cualquier ámbito de la actividad humana.

Además, está el entorno social, cultural, político y económico. Todo esto influye en el deseo o necesidad de un creador de romper con aquello que es norma. Uno puede ser pionero pero posiblemente haya otras personas con las mismas inquietudes que le seguirán o decidiran saltar esos límites por su cuenta.

Así que, para considerar un movimiento artístico como tal, son necesarias dos cosas: primeramente, una voluntad rupturista e innovadora frente a lo impuesto, posiblemente motivado por el contexto histórico. Y finalmente, es necesario que para romper dichos patrones se cree una nueva forma de trabajar, de crear, un estilo nuevo. 

Queda claro, pues, que un solo autor, por muy creativo, innovador y bueno que sea estará retroalimentado por lo que realicen otros creadores de su entorno y también por la misma sociedad. Solo entonces aparece un movimiento o corriente artístico nuevo y diferenciado. 

¿Qué ocurre pues con el Modernismo, el Art Nouveau y los demás nombres que se emplean en función del pais de origen? Básicamente podemos decir que el Modernismo fue una corriente principal que aúnaba unos ideales y aspiraciones artísicas muy concretas pero que dependiendo de cada región se desarrolló de una manera u otra, dependiendo de las necesidades "artísticas" que existían.

¿QUÉ ES EL MODERNISMO?

El modernismo es una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX (período también conocido como Fin de siècle y Belle Époque, cuando se refiere al contexto histórico en general). A pesar que aparecieron diferentes vertientes según la región donde se desarrolló, en general, este estilo hace referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno que represente una ruptura con los estilos dominantes de la época, ya sea la tradición academicista (historicismo o eclecticismo) como rupturistas (realismo o impresionsimo). 

La estética estaba inspirada en la naturaleza, a la vez que incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial (como el hierro y el cristal), intentando superar la pobre riqueza del diseño industrial de mediados del siglo XIX. Por esa razón, este movimiento y sus subcorrientes se aplicaron básicamente en el diseño y en la arquitectura, aunque también se usaron sus preceptos para la publicidad, de vital relevancia en una época de auge industrial. 

En gran medida, estas aspiraciones se basaron en las ideas de John Ruskin y William Morris, con una intención democratizadora del arte. En este sentido, se quería dotar de valor estético incluso a los utensilios más cotidianos, a la vez siendo accesibles para toda la población. Esto significó su implementación en las nuevas técnicas de producción en masa, carentes de personalidad y del buen hacer artesanal. De esta forma pues, más que ser una corriente relevante en las Artes Mayores (pintura, escultura…) tuvo mucha preponderancia en las menores, como las artes aplicadas o decorativas, gráficas y diseño de utensilios, incluso de mobiliario urbano (quioscos, farolas, bancos, etc.). Además, muchos de los artistas reconocidos de estos movimientos, lo eran de forma multidisciplinar. Por ejemplo, los arquitectos, no solo ideaban el edificio, sino que intervenían en el diseño de la decoración y mobiliario, incluso los complementos. 

Esta inspiración en la naturaleza da lugar a las formas orgánicas y onduladas tan características del movimiento. Por lo tanto, la línea curva y la asimetría estuvieron al orden del día. También se recurre a la estilización de los personajes y objetos representados, obviando retratar una imagen realista. La figura femenina encaja perfectamente en estas directrices (curvas, estilización) por lo que predomina en muchas de las obras, siempre representada de manera grácil y muy bella, con un aire incluso divino y con actitudes ligeramente sensuales y atractivas, incluso eróticas en algunos casos. En definitiva, todo esto de aplicaba de manera “envolvente” al objeto principal a diseñar, es decir; la “función” queda rodeada de la “belleza natural”. Además, se encuentra un motivo de inspiración en los estilos asiáticos, especialmente la cultura japonesa; quedando fascinados por su tratamiento simple, limpio y sensual de los personajes femeninos (Geishas) y de los elementos ornamentales naturales de esas regiones (como el bambú y las técnicas de ikebana). 

¿ENTONCES, QUÉ TERMINO ES CORRECTO?

Y aquí, el quid de la cuestión de hoy.

Como ya se ha dicho, dentro del movimiento modernista encontramos el Modern Style (países anglosajones), Jugendstil (Alemania y Países Nórdicos), Floreale (Italia), Modernisme (Catalunya), entre otros. También está el Art Nouveau (Francia y Bélgica), subcorriente de la cual nos ocupamos en este blog y que tiene sus características particulares. Aunque son términos que se podrian considerar sinónimos dependiendo de nuestra lengua materna, lo ideal es usar cada nombre en función de la región analizada, porque como ya queda patente no es lo mismo el modernismo de Mucha o Victor Horta (Art Nouveau) que el modernismo de Gaudí (Modernisme).

Por esta razón, en este blog hablamos de Art Nouveau, porque nuestro interés reside en estudiar la corriente Francesa y Belga, pionera en Europa y una de las más influyentes y conocidas de la Belle Époque. 

Cabe resaltar dos cosas: en la década de 1920 apareció lo que se denominó Art Decó, que aunque tienen puntos en común, sus características son marcadamente diferentes. Y también, los términos “Modernism” (inglés) y “Modernisme” (francés) no son sinónimos (serían Modern Style y Art Nouveau), ya que estos primeros se refieren, en general, a todas las vanguardias o al arte moderno (dentro de lo polisémico en ambos conceptos)[1][2].

FUENTES 

• [1] Charles Harrison, ¿Qué es el modernismo?, en Modernismo, Encuentro, 2000, ISBN 847490577X, pg. 6 y ss.
• [2] "El Modernisme". Enciclopedia Catalana [online] 
• Art Nouveau Network. Art Nouveau Network [online]
• Duncan, Alastair. Art Nouveau. World of Art. New York: Thames and Hudson, 1994. ISBN 0-500-20273-7

Bienvenidos/as

Estimado/a lector/a, 

Este blog está dedicado, como dijo Dalí, a la "terrorífica y comestible belleza del Art Nouveau", movimiento artístico nacido en brazos de la Belle Époque y con el nacimiento del Nuevo Siglo (finales sXIX- inicios sXX).

Esta corriente artística, conocida en general como Modernismo, se basó en la reinvención del diseño industrial dotándolo de belleza asequible para todas las masas y enseguida se popularizó, aunque no todo eran adeptos.

¿Te atreves a sumergirte dentro de este fascinante mundo?

A continuación, algunas muestras de Art Nouveau.

Este blog está creado dentro del marco de la asignatura Conceptualització i Direcció d'Art del Missatge Publicitari de la Universidad Autónoma de Barcelona y tiene fines solamente académicos. Sus miembros son: Eva, Salva, Adrià, Ariadna, Nina, Johanna, Nathan, Marina y Ana.