Desarrollo histórico del Art Nouveau

A continuación, se hace una retrospectiva del desarrollo histórico del Art Nouveau. Es una visión global que también aporta detalles de las corrientes no exclusivamente francófonas, ya que, a pesar de los matices entre regiones, es demasiado difícil desvincular algunos hechos. 

Libro Wren's City Churches
de Mackmurdo 

El primer diseño identificado inequívocamente con el nuevo estilo es la cubierta de un libro de 1883 dedicado a las iglesias de Christopher Wren, del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo[1]. A pesar de esto, la corriente se considera consolidad a partir de los primeros años de la década de 1890, cuando Victor Horta construyó la Casa Tassel y Alfons Mucha publicó el cartel de la Gismonda. 

Habitación del Castillo de Roquetaillade

Antes de todo eso, existieron ciertos indicios que apuntaban al nacimiento de una nueva corriente artística. Se ha calificado como pre-modernista la decoración mural del castillo francés de Roquetaillade, restaurado por Eugène Viollet-leDuc en la década de 1850. Aunque su propósito era producir una recreación neogótica, lo que se obtuvo fueron unos frescos con un estilo germinal modernista de movimientos orgánicos, colores y formas de una gracia innovadora. 

"Perséfone" por  Rossetti, del 

movimiento prerrafaelista, 

donde se observan algunas 

características que más tarde 

adoptará el Art Nouveau 

(mujer, asimetría, naturaleza)

Esta tendencia de inspiración en lo natural se fue intensificando en la segunda mitad del sXIX, como por ejemplo pasó en el movimiento británicol de los Arts & Crafts (Artes y oficios) de William Morris o la Hermandad Prerrafaelita. Los patrones del diseño de la arquitectura victoriana derivaron hacia formas flotantes libres. El hierro forjado, uno de los materiales clave de la época, se deja a la vista y se aprovecha con funciones decorativas, más allá de la propiamente arquitectónica. También en los cristales tintados o los tejidos empiezan a aparecer este tipo de motivos característicos. De todas formas, los productos tradicionales creados por William Morris y del Arts & Crafts eran costosos y sólo podían comprarlos los adinerados. 

Detalle de un dibujo de Morris
 and Dearle en una alfombra,
motivos florales que
inspirarán el Art Nouveau

Aunque Arts & Crafts fue de influencia para el estilo, cabe puntualizar que los defensores del Art Nouveau veían en sus obras una función embellecedora de lo utilitario, por lo que se quería conseguir hacer llegar arte económico, accesible para las masas y ropiendo con la falta de personalidad del estilo industrial imperante. En Weimar o Darmstadt, los pioneros del Art Nouveau, como Henry Van de Velde o Josef-Maria Olbrich fueron empleados para revitalizar las industrias locales y aumentar la prosperidad de los estados que los empleados. En Viena, los Talleres de Viena se comprometieron incondicionalmente a la producción artesanal costosa en la creencia de que era el momento de la burguesía a desempeñar su papel en el mecenazgo artístico. 

Poster del Art Nouveau de inspiración
oriental. Autor desconocido.

La naturaleza fue una de las fuentes fundamentales del Art Nouveau (o "nuevo estilo"): teóricos como Eugène Grasset en su obra "La plante et ses applications ornementales" mostraron cómo los motivos tomados de la naturaleza podrían ser utilizados de una manera lógica. El redescubrimiento del arte japonés en el siglo XIX llevó a una nueva perspectiva que se preguntaba por la belleza de una ola, de un estampado de kimono o la curva del cuello de una cortesana. La fluidez de las líneas, las composiciones asimétricas, sin la perspectiva geométrica y delicados tonos de color creado un nuevo vocabulario ornamental, liberándose del historicismo, de la gran "carnaval de estilos" que prevaleció durante gran parte del siglo XIX. 

Otro de los casos clave en la historia del Art Nouveau fue en 1888, cuando Charles R. Ashbee fundó la Guild and School of Handicraft de Whitechapel en Toynbee Hall (Londres). Estaba dedicada a la decoración de interiores, especialmente con materiales como la forja, la joyería, el esmalte y el mobiliario (materiales clave del estilo) dedicada a la decoración integral de interiores (forja, joyería, esmalte y mobiliario). Ashbee aprovechó el cierre de una imprenta para contratar a algunos de sus trabajadores para ampliar su actividad al sector de la imprenta (Essex House Press). 

Cartel de la Secesión de Berlín

La libertad reivindicada en la década de 1890 por los grupos de artistas denominados de la "secesión" aparecidos sucesivamente en varias ciudades europeas (París, Munich, Viena, Berlín…) dio sustento al nuevo corriente naciente, donde tenían una voluntad rupturista con las sociedades de artistas más relevantes de dichas ciudades, creando nuevos modelos y formas de impulsar el arte. 

Es también en esta época (1892 y 1893) cuando Victor Horta construye la Casa Tassel, se consolida el estilo y su taller de Bruselas se convierte en un centro disfusor de l’Art Nouveau, especialmente en cuanto a arquitectura. Victor Horta introdujo el hierro y la fundición en las casas de la burguesía en Bruselas[2]. Estos materiales industriales le permitieron respirar en el espacio interior de la vivienda, permitiendo que el aire y la luz pudieran circular. Al elegir decorar con curvas abstractas, fue capaz de expresar la naturaleza maleable de metal. Se crea así un universo rebosante donde las líneas expresan la vitalidad, el poder de crecimiento de las plantas. 

No todo el mérito es del arquitecto. El 1 de enero de 1895 un cartel publicitario difundido por las calles de París para anunciar la obra de teatro de La Gismonda representó el empujón final para lanzar el Art Nouveau como referente en las artes gráficas. Su autor fue uno de los más reconocidos en el movimiento, Alfons Mucha. 

Modernisme: "Ramon Casas i Pere Romeu
en un tàndem" de Ramon Casas

Más allá de los límites francófonos, la corriente empezaba a llegar. El Art Nouveau se extendió rápidamente por Europa, gracias a revistas de arte foto-ilustradas, así como exposiciones internacionales. El nombre terminó siendo diferente según el país, que se llamaba "Modernisme" en Cataluña, "Jugendstil" en Alemania, "Liberty" en Italia o "Secession" en Viena o Praga. El movimiento del Art Nouveau se desarrolló más rápidamente en los países o regiones que se cobró una mayor autonomía cultural (como Cataluña, Checoslovaquia y Finlandia) o aquellos que experimentaban prosperidad económica y que querían alejarse de los gustos dictados por las capitales (Glasgow o Nancy). El conjunto de Europa adoptó el Art Nouveau a una mayor o menor medida porque el estilo fue capaz de convivir con formas heredadas del pasado. Fue más a menudo dominante en las zonas de nueva construcción para hacer frente a la creciente urbanización a finales del siglo XIX (Riga o Barcelona), demasiado industrializada y pensado solo de forma barata y masiva. 

Portada de "Jugend" la revista de Múnich

Concretamente, en 1896 comenzó a publicarse en Múnich la revista Jugend ("juventud"), que dio nombre al estilo en Alemania (Jugendstil) y que servía de inspiración y también de difusión de las obras de este estilo. Un año después, nació lo que se conocerá posteriormente como la Escuela de Glasgow: Charles R. Mackintosh, seguido por un grupo de artistas de la ciudad e identificados con el movimiento modernista, fundaron la Glasgow School of Art. 

Fue en estos tiempos cuando en Barcelona empezaba el Modernisme a despuntar. En el local Els Quatre Gats, mundialmente conocido, fue el punto de encuentro del modernismo catalán y sus representantes de la zona. También Gaudí empezaba a desmarcarse con sus construcciones. 

La Exposición Universal de París (1900) significó un hito destacado. Fueron especialmente impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color) de obras de arte junto a muebles y tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de l'Art Nouveau ("Casa del Arte Nuevo"). Al igual que ésta, otras casas comerciales, como la londinense Liberty & Co.10 (Arthur Lasenby Liberty) y la neoyorquina Tiffany’s (Louis Comfort Tiffany), se identificaron tan estrechamente con la nueva estética que sus nombres se utilizaron también como denominaciones de la misma. 

Escaleras en rotonda estilo Art Déco
del Burkbank City  Hall

En cualquier caso, el Modernismo en general, alcanzó su momento álgido la Prima Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna de 1902 en Turín, donde expusieron diseñadores de todos los países europeos. 

Hacia la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista ya había comenzado a ser abandonada en favor de trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la estética plana y el menor coste de los diseños industriales. Hacia los años veinte esa tendencia se concretaría en una nueva etiqueta denominativa: el Art Decó. 

FUENTES

• [1]Pevsner, Nikolaus (1975). Pioneers of Modern Design. Harmondsworth: Penguin Books. p. 90. 
• [2] Art Nouveau Network. Art Nouveau Network [online]
• Charles Harrison, ¿Qué es el modernismo?, en Modernismo, Encuentro, 2000
• "El Modernisme". Enciclopedia Catalana [online] 
• Duncan, Alastair. Art Nouveau. World of Art. New York: Thames and Hudson, 1994. 

¿Modernismo, Arte moderno o Art Nouveau?

Aunque el término Art Nouveau es uno de los más extendidos cuando se generaliza sobre las corrientes modernistas (especialmente en Paises de no habla hispana), cabe puntualizar y recordar que es la corriente propiamente nacida en Francia y Bélgica, porque dependiendo de la zona donde se desarrolló este "modernismo" tubo unas características propias. Por ejemplo, el "Estilo Mucha" fue considerado, durante un tiempo, una escuela en sí misma (antes de llamarse "Arte Nuevo" en general para designar a todos los artistas del movimiento) pero también el máximo representante del Modernisme (la subcorriente catalana), Antoni Gaudí, fue considerado otro estilo en sí mismo no comparable a ningún otro durante mucho tiempo. De todas formas... es imposible decir que Mucha y Gaudí no tenían nada en común; a pesar de sus diferencias de estilo, ambos se inspiraban en lo mismo: las formas orgánicas de la naturaleza. 

¿ESTILO PROPIO O MOVIMIENTO ARTÍSTICO?

Entonces... ¿por qué si, en un principio, estas corrientes se pudieron considerar ajenas y las diferencias son remarcables, han terminado siendo consideradas dentro de un mismo movimiento artístico llamado "modernismo"? Está claro que estilos artísticos hay tantos como autores en la faz de la tierra, pero eso no significa que automáticamente sean designados como corrientes o movimientos, ya que esto implica dinamismo, fluctuación, y para que eso ocurra es necesario más de una persona que se implique en ello y lo active. Si buscamos "movimiento" en la RAE, vemos que su séptima acepción es la siguiente:

"7. m. Conjunto de alteraciones o novedades ocurridas, durante un período de tiempo, en algunos campos de la actividad humana"

Habla de conjuntos y de actividad humana, ambos términos referidos a la idea de grupo, de colectivo. Está claro, pues, que para que nazca un movimiento artístico se necesita de un grupo de personas que aporten novedades o alteraciones a lo preconcebido, a lo que se ha establecido por un largo período de tiempo como "normal". Significa romper las reglas de juego, que no saltarse la ley, sino traspasar aquello que la sociedad ha adoptado como usual para aportar nuevas riquezas y matices a cualquier ámbito de la actividad humana.

Además, está el entorno social, cultural, político y económico. Todo esto influye en el deseo o necesidad de un creador de romper con aquello que es norma. Uno puede ser pionero pero posiblemente haya otras personas con las mismas inquietudes que le seguirán o decidiran saltar esos límites por su cuenta.

Así que, para considerar un movimiento artístico como tal, son necesarias dos cosas: primeramente, una voluntad rupturista e innovadora frente a lo impuesto, posiblemente motivado por el contexto histórico. Y finalmente, es necesario que para romper dichos patrones se cree una nueva forma de trabajar, de crear, un estilo nuevo. 

Queda claro, pues, que un solo autor, por muy creativo, innovador y bueno que sea estará retroalimentado por lo que realicen otros creadores de su entorno y también por la misma sociedad. Solo entonces aparece un movimiento o corriente artístico nuevo y diferenciado. 

¿Qué ocurre pues con el Modernismo, el Art Nouveau y los demás nombres que se emplean en función del pais de origen? Básicamente podemos decir que el Modernismo fue una corriente principal que aúnaba unos ideales y aspiraciones artísicas muy concretas pero que dependiendo de cada región se desarrolló de una manera u otra, dependiendo de las necesidades "artísticas" que existían.

¿QUÉ ES EL MODERNISMO?

El modernismo es una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX (período también conocido como Fin de siècle y Belle Époque, cuando se refiere al contexto histórico en general). A pesar que aparecieron diferentes vertientes según la región donde se desarrolló, en general, este estilo hace referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno que represente una ruptura con los estilos dominantes de la época, ya sea la tradición academicista (historicismo o eclecticismo) como rupturistas (realismo o impresionsimo). 

La estética estaba inspirada en la naturaleza, a la vez que incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial (como el hierro y el cristal), intentando superar la pobre riqueza del diseño industrial de mediados del siglo XIX. Por esa razón, este movimiento y sus subcorrientes se aplicaron básicamente en el diseño y en la arquitectura, aunque también se usaron sus preceptos para la publicidad, de vital relevancia en una época de auge industrial. 

En gran medida, estas aspiraciones se basaron en las ideas de John Ruskin y William Morris, con una intención democratizadora del arte. En este sentido, se quería dotar de valor estético incluso a los utensilios más cotidianos, a la vez siendo accesibles para toda la población. Esto significó su implementación en las nuevas técnicas de producción en masa, carentes de personalidad y del buen hacer artesanal. De esta forma pues, más que ser una corriente relevante en las Artes Mayores (pintura, escultura…) tuvo mucha preponderancia en las menores, como las artes aplicadas o decorativas, gráficas y diseño de utensilios, incluso de mobiliario urbano (quioscos, farolas, bancos, etc.). Además, muchos de los artistas reconocidos de estos movimientos, lo eran de forma multidisciplinar. Por ejemplo, los arquitectos, no solo ideaban el edificio, sino que intervenían en el diseño de la decoración y mobiliario, incluso los complementos. 

Esta inspiración en la naturaleza da lugar a las formas orgánicas y onduladas tan características del movimiento. Por lo tanto, la línea curva y la asimetría estuvieron al orden del día. También se recurre a la estilización de los personajes y objetos representados, obviando retratar una imagen realista. La figura femenina encaja perfectamente en estas directrices (curvas, estilización) por lo que predomina en muchas de las obras, siempre representada de manera grácil y muy bella, con un aire incluso divino y con actitudes ligeramente sensuales y atractivas, incluso eróticas en algunos casos. En definitiva, todo esto de aplicaba de manera “envolvente” al objeto principal a diseñar, es decir; la “función” queda rodeada de la “belleza natural”. Además, se encuentra un motivo de inspiración en los estilos asiáticos, especialmente la cultura japonesa; quedando fascinados por su tratamiento simple, limpio y sensual de los personajes femeninos (Geishas) y de los elementos ornamentales naturales de esas regiones (como el bambú y las técnicas de ikebana). 

¿ENTONCES, QUÉ TERMINO ES CORRECTO?

Y aquí, el quid de la cuestión de hoy.

Como ya se ha dicho, dentro del movimiento modernista encontramos el Modern Style (países anglosajones), Jugendstil (Alemania y Países Nórdicos), Floreale (Italia), Modernisme (Catalunya), entre otros. También está el Art Nouveau (Francia y Bélgica), subcorriente de la cual nos ocupamos en este blog y que tiene sus características particulares. Aunque son términos que se podrian considerar sinónimos dependiendo de nuestra lengua materna, lo ideal es usar cada nombre en función de la región analizada, porque como ya queda patente no es lo mismo el modernismo de Mucha o Victor Horta (Art Nouveau) que el modernismo de Gaudí (Modernisme).

Por esta razón, en este blog hablamos de Art Nouveau, porque nuestro interés reside en estudiar la corriente Francesa y Belga, pionera en Europa y una de las más influyentes y conocidas de la Belle Époque. 

Cabe resaltar dos cosas: en la década de 1920 apareció lo que se denominó Art Decó, que aunque tienen puntos en común, sus características son marcadamente diferentes. Y también, los términos “Modernism” (inglés) y “Modernisme” (francés) no son sinónimos (serían Modern Style y Art Nouveau), ya que estos primeros se refieren, en general, a todas las vanguardias o al arte moderno (dentro de lo polisémico en ambos conceptos)[1][2].

FUENTES 

• [1] Charles Harrison, ¿Qué es el modernismo?, en Modernismo, Encuentro, 2000, ISBN 847490577X, pg. 6 y ss.
• [2] "El Modernisme". Enciclopedia Catalana [online] 
• Art Nouveau Network. Art Nouveau Network [online]
• Duncan, Alastair. Art Nouveau. World of Art. New York: Thames and Hudson, 1994. ISBN 0-500-20273-7